Center for the Critical Appreciation of Antiquity (2022) transforme la coupole intérieure de l’Espace Niemeyer**, conçu par l’architecte brésilien Oscar Niemeyer (1907–2012), en un site de ruines...
L’installation immersive, pensée à la fois comme lieu de fouilles archéologiques et centre d’étude sur l’antiquité et la ville moderne, pousse à réfléchir sur la culture grecque comme objet de consommation contemporain. Les multiples couches de l’œuvre intègrent l’architecture, l’archéologie, la culture pop, la vie nocturne et le tourisme de masse tout en faisant allusion à l’histoire personnelle de l’artiste.
L’installation repose sur les recherches menées par Andreas Angelidakis sur l’histoire du temple de Zeus olympien à Athènes. Ainsi, l’œuvre reproduit le site actuel du temple : une colonne monumentale entourée de ruines. Cependant, l’artiste en adapte l’esthétique en utilisant des matériaux quotidiens tels qu’un échafaudage et des blocs de mousse recouverts de tissus imprimés, figurant les colonnes de marbre grecques.
L’installation immersive, pensée à la fois comme lieu de fouilles archéologiques et centre d’étude sur l’antiquité et la ville moderne, pousse à réfléchir sur la culture grecque comme objet de consommation contemporain. Les multiples couches de l’œuvre intègrent l’architecture, l’archéologie, la culture pop, la vie nocturne et le tourisme de masse tout en faisant allusion à l’histoire personnelle de l’artiste.
L’installation repose sur les recherches menées par Andreas Angelidakis sur l’histoire du temple de Zeus olympien à Athènes. Ainsi, l’œuvre reproduit le site actuel du temple : une colonne monumentale entourée de ruines. Cependant, l’artiste en adapte l’esthétique en utilisant des matériaux quotidiens tels qu’un échafaudage et des blocs de mousse recouverts de tissus imprimés, figurant les colonnes de marbre grecques.
Le souci du détail et le sens du design de l’artiste s’expriment dans chaque aspect de l’installation. Sa colonne centrale –constituée d’un échafaudage auquel est accrochée une bâche imprimée d’une monumentale colonne ionique– est surplombée par l’image d’un container en référence aux moines qui, au XIXe siècle vivaient en isolement dans une « hutte » (kaliva), placée au sommet de la colonne du temple de Zeus olympien afin d’être plus proche d’un être supérieur.
La goulotte de chantier jaune qui descend le long de la colonne est un clin d’œil au paysage changeant d’Athènes, particulièrement impacté ces dernières années par la prolifération de locations touristiques.
À côté de la colonne centrale, un container moderne fait de bois et de tissus imprimés présente des sculptures réalisées par impression 3D, constituant une exposition dans l’exposition qui s’inspire des boutiques de souvenirs sur les sites archéologiques.
Cet espace et la colonne centrale sont encore entourés par un mélange de sculptures, de meubles et de livres géants qui peuvent être touchés, déplacés et nourrir l’interaction, venant compléter ce Center for the Critical Appreciation of Antiquity.
La goulotte de chantier jaune qui descend le long de la colonne est un clin d’œil au paysage changeant d’Athènes, particulièrement impacté ces dernières années par la prolifération de locations touristiques.
À côté de la colonne centrale, un container moderne fait de bois et de tissus imprimés présente des sculptures réalisées par impression 3D, constituant une exposition dans l’exposition qui s’inspire des boutiques de souvenirs sur les sites archéologiques.
Cet espace et la colonne centrale sont encore entourés par un mélange de sculptures, de meubles et de livres géants qui peuvent être touchés, déplacés et nourrir l’interaction, venant compléter ce Center for the Critical Appreciation of Antiquity.
Ainsi, les livres peuvent être feuilletés ou utilisés comme des méridiennes par les visiteurs et les sièges qui constituent les colonnes peuvent servir pour s’asseoir ou être empilés. L’installation développe la pratique des « soft ruins » (ou ruines souples) explorées par l’artiste depuis 2003. Andreas Angelidakis invite le public à s’approprier l’espace, remettant ainsi en question l’idée traditionnelle selon laquelle les œuvres d’art ne peuvent être touchées.
Complétant les « soft ruins », une série des projections vidéo créent une ambiance mystique au travers d'images répétées de stylites installées dans le décor, accompagnées d'une bande sonore rappelant la vie nocturne athénienne. L’obscurité ambiante et les spots sur les colonnes donnent à l’ensemble une atmosphère de boîte de nuit, déconstruisant encore davantage la pratique de l’art contemporain et la présentation traditionnelle des œuvres à l’intérieur d’un cube blanc.
Installé à Athènes, Andreas Angelidakis a suivi une formation classique en architecture mais se défini comme « un architecte qui ne construit pas ». Aujourd’hui, sa pratique se concentre sur l’art contemporain à la lumière de sa formation d’architecte.
Au début des années 2000, il s’éloigne de la conception de bâtiments et commence à créer des espaces architecturaux virtuels en 3D. Son œuvre aborde le concept de ruine à la fois dans les sociétés anciennes et contemporaines. Il considère l’architecture comme un lieu d’interaction sociale, créant des œuvres qui questionnent la sociologie et l’histoire du modernisme dans les disciplines de l’architecture, de la culture urbaine et des médias digitaux.
Au travers d’expositions publiques, Audemars Piguet Contemporary a pour objectif de rendre accessibles des œuvres commissionnées à une large audience. Center for the Critical Appreciation of Antiquity (2022) coïncide avec le 10e anniversaire du programme ainsi qu’avec l’édition inaugurale de Paris+ par Art Basel qui se tient au Grand Palais Éphémère du 20 au 23 octobre 2022.
*Audemars Piguet Contemporary commande à des artistes internationaux la création d’œuvres d’art contemporain et soutient une large communauté de créateurs. La Manufacture croit au pouvoir de l’art contemporain de favoriser les dialogues. Ce programme entre en résonance avec la communauté d’artisans experts qu’Audemars Piguet soutient et a fait croître à la vallée de Joux.
Depuis 2012, Audemars Piguet Contemporary a établi des collaborations avec des artistes internationaux tels que Andreas Angelidakis, Meriem Bennani, Aleksandra Domanivić, Cao Fei, Phoebe Hui, Ryoji Ikeda, Robin Meier, Alexandra Pirici, Arin Rungjang, Tomás Saraceno, Semiconductor, Jana Winderen et Sun Xun.
Les œuvres d’art commandées ont été présentées dans le monde entier, dans le cadre de manifestations majeures en Asie (Art Basel Hong Kong ; le Centre d'Art Contemporain de l'UCCA (Pékin), en Europe (180 The Strand, Londres; Ars Electronica, Linz; Art Basel à Bâle ; l’Espace Niemeyer, Paris ; la Maison des Arts Électroniques (HEK) Bâle ; l’Exposition Internationale d’Art – La Biennale di Venezia ; le Kunstmuseum Wolfsburg ; le MAXXI, Rome ; le Palais de Tokyo, Paris), et aux États-Unis (Art Basel Miami Beach ; la High Line, New York ; Times Square Arts, New York).
**Conçu par Oscar Niemeyer et construit en 1965 comme siège du Parti Communiste Français, l’Espace Niemeyer est devenu un site d’expression artistique exceptionnel. En France, l’Espace Niemeyer incarne l’extraordinaire créativité du mouvement moderniste au 20e siècle. Il est une démonstration des possibilités techniques offertes par le béton, l’acier et le verre.
Ce patrimoine architectural, classé monument historique de France en 2007, accueille aujourd’hui une grande variété d’artistes et d’évènements. Cette multitude de projets est rendue possible grâce aux relations de longue date avec des artistes visuels et performatifs et des étudiants issus de différentes écoles partenaires, qui développent leurs créations lors de résidences au sein de l’espace.
Complétant les « soft ruins », une série des projections vidéo créent une ambiance mystique au travers d'images répétées de stylites installées dans le décor, accompagnées d'une bande sonore rappelant la vie nocturne athénienne. L’obscurité ambiante et les spots sur les colonnes donnent à l’ensemble une atmosphère de boîte de nuit, déconstruisant encore davantage la pratique de l’art contemporain et la présentation traditionnelle des œuvres à l’intérieur d’un cube blanc.
Installé à Athènes, Andreas Angelidakis a suivi une formation classique en architecture mais se défini comme « un architecte qui ne construit pas ». Aujourd’hui, sa pratique se concentre sur l’art contemporain à la lumière de sa formation d’architecte.
Au début des années 2000, il s’éloigne de la conception de bâtiments et commence à créer des espaces architecturaux virtuels en 3D. Son œuvre aborde le concept de ruine à la fois dans les sociétés anciennes et contemporaines. Il considère l’architecture comme un lieu d’interaction sociale, créant des œuvres qui questionnent la sociologie et l’histoire du modernisme dans les disciplines de l’architecture, de la culture urbaine et des médias digitaux.
Au travers d’expositions publiques, Audemars Piguet Contemporary a pour objectif de rendre accessibles des œuvres commissionnées à une large audience. Center for the Critical Appreciation of Antiquity (2022) coïncide avec le 10e anniversaire du programme ainsi qu’avec l’édition inaugurale de Paris+ par Art Basel qui se tient au Grand Palais Éphémère du 20 au 23 octobre 2022.
*Audemars Piguet Contemporary commande à des artistes internationaux la création d’œuvres d’art contemporain et soutient une large communauté de créateurs. La Manufacture croit au pouvoir de l’art contemporain de favoriser les dialogues. Ce programme entre en résonance avec la communauté d’artisans experts qu’Audemars Piguet soutient et a fait croître à la vallée de Joux.
Depuis 2012, Audemars Piguet Contemporary a établi des collaborations avec des artistes internationaux tels que Andreas Angelidakis, Meriem Bennani, Aleksandra Domanivić, Cao Fei, Phoebe Hui, Ryoji Ikeda, Robin Meier, Alexandra Pirici, Arin Rungjang, Tomás Saraceno, Semiconductor, Jana Winderen et Sun Xun.
Les œuvres d’art commandées ont été présentées dans le monde entier, dans le cadre de manifestations majeures en Asie (Art Basel Hong Kong ; le Centre d'Art Contemporain de l'UCCA (Pékin), en Europe (180 The Strand, Londres; Ars Electronica, Linz; Art Basel à Bâle ; l’Espace Niemeyer, Paris ; la Maison des Arts Électroniques (HEK) Bâle ; l’Exposition Internationale d’Art – La Biennale di Venezia ; le Kunstmuseum Wolfsburg ; le MAXXI, Rome ; le Palais de Tokyo, Paris), et aux États-Unis (Art Basel Miami Beach ; la High Line, New York ; Times Square Arts, New York).
**Conçu par Oscar Niemeyer et construit en 1965 comme siège du Parti Communiste Français, l’Espace Niemeyer est devenu un site d’expression artistique exceptionnel. En France, l’Espace Niemeyer incarne l’extraordinaire créativité du mouvement moderniste au 20e siècle. Il est une démonstration des possibilités techniques offertes par le béton, l’acier et le verre.
Ce patrimoine architectural, classé monument historique de France en 2007, accueille aujourd’hui une grande variété d’artistes et d’évènements. Cette multitude de projets est rendue possible grâce aux relations de longue date avec des artistes visuels et performatifs et des étudiants issus de différentes écoles partenaires, qui développent leurs créations lors de résidences au sein de l’espace.
